Opening
with Minyoung CHOI



Artist

What does an ARTIST mean to you?

It is difficult to establish limits to the role of an artist and its positioning within our society, especially when comparing it to other occupations. When we start stereotyping the meaning of an artist or when society places rules and regulations on the role of an artist, one ceases to be an artist. An artist naturally creates purely out of the desire to make.



아티스트란

아티스트가 우리 사회에서 어떤 목적이나 쓰임새가 있는지 다른 직업과 비교했을 때 그 한계를 정하기 어려울 수 있다. 하지만 아티스트에게 다른 사람들이 무엇을 어떻게 해야 한다고 말하거나 사회에서 아티스트란 어떠해야 하는지 규정한다면 이미 아티스트는 아티스트가 아니게 된다. 아티스트는 본질적으로 순전히 무언가 만들고자 하는 욕구로부터 창작한다.







































Place

What does PLACE mean to you?      What is your PLACE?     


Like the many diverse themes within my art practice, the meaning of PLACE is a complex matter. However abstract or recognisable the space I depict, it always contains the energy or the entropy of actions be they past or future, imagined or real. My paintings give the sense that the viewer is witnessing a moment that is about to happen or something that has just happened. My paintings always imply some form of narrative that is more or less known or visible, always giving the viewer some room for speculation. The specific objects I use in the paintings have the purpose of describing an individual or a scene rather than focusing on their functionality. The same can be said about the fish. I do anthropomorphise it in order to convey some emotion to it and do not focus on depicting the animal in a hyper-realistic manner. This is also true of the human figures in my work. I focus more on mood and actions rather than on depicting recognizable persons.

I often repeat motifs in my paintings, such as parking lots, playgrounds, beaches, night scenes, campfires and bonfires in forests, home interiors and tables. Although the setting is similar in many of my works, I like to play around and experiment with the mood of the place, the lighting, the positioning of the objects, the changes in the seasons, and the composition.

Knowing the exact location or placement of the scenes I depict is not the main focus of my work. I do, at times use an existing PLACE as a motif, but it is more for my own practice to understand the feeling of a real place and not necessary for the viewer when looking at the finished piece. Overall, the spaces in my works can be seen as invented and not necessarily as real places.



I think I unconsciously reside within the PLACEs I used to live in as a child, my old house, school and the neighbourhood. I often have dreams of specific situations and although I cannot remember everything in detail, when I try to think back, the surrounding spaces within my dreams are usually the streets and buildings in which I walked on or lived at a young age. The interior structures of the apartment I lived in with my family, the pathway I used to walk to school on, the wood floors of the school buildings and classrooms, the school auditorium, the playground and the stairs. The situations in my dreams always change but after a while, I realise that my dreams are always set in the same locations.

But in reality, my PLACE is where my studio is located and where I make my work. The studio itself is both a PLACE and a space that hosts the creating of the works but also, very importantly, it influences the making of the work as well. It is quite easy for me to work in London and in Europe for that matter as there is a very long tradition in oil painting that also brings along a huge interest for contemporary painting, both for viewers and artists as well. 

After my graduation show in London, I have been able to meet art collectors, fellow artists, curators, and overall an audience who is interested in my work. London is a hub for art enthusiasts, which is why I find it hard to leave this city. Currently, my studio is located in Hackney Wick, in east London, but I think there will be a day when I will be painting in a studio in Korea too, and I look forward to that day!





장소란

나에게 장소란 무슨 의미인가 하면 나의 다양한 작업 소재만큼이나 복합적인 것 같다. 나의 작업에는 추상적이든 구체적이든 어떤 공간이 나타나기 마련이다. 그 공간을 채우는 것들에 따라 어떤 일이 일어나기 전후 같거나 어떤 일이 일어나고 있는 것을 목격하는 느낌을 준다. 작품 속 공간에서 만들어진 어떤 상황이나 장면은 쉽게 알아차릴 수 있든 그렇지 않든 어느 정도의 내러티브를 내포한다. 그림에 묘사된 물건은 누군가의 흔적 혹은 상징적인 대상으로 그려지고, 동물은 의인화하여 표현되기도 한다. 예를 들어 물고기를 사실적으로 정밀하게 묘사하는 데 관심이 있는 것이 아니라 내가 상상한 물고기의 감정에 따라 그의 표정을 드러내는 데 중점을 둔다. 인물 역시 항상 어떤 상황에 부닥친 것으로 그려지며 전체적인 분위기에 중점을 두기 때문에 인물이 실제로 누구인지는 크게 중요하지 않다.

나는 같은 모티프를 반복하여 작업의 소재로 삼는데, 예를 들면 주차장, 운동장, 바닷가, 밤 풍경, 모닥불을 피운 숲, 가정의 실내와 테이블 등이 있다. 비슷한 배경이나 공간이라 하더라도 조명, 물체, 계절, 동물/인물의 구성에 따라 각기 다른 분위기의 장소로 나타난다.

그림 속 장소가 구체적으로 어디인가 하는 것은 크게 중요하지 않다. 간혹 실재하는 장소에서 영감을 받아 작업을 진행하기도 하지만 그 장소가 가진 분위기를 참고하기 위한 것일 뿐이다. 작업에 나타나는 공간은 어디까지나 나의 상상으로 만들어진 가상의 장소다.



무의식중에 나의 정신이 머물러 있는 장소는 어릴 적에 살던 집과 그 동네, 학교 공간이 아닌가 생각한다. 꿈속에서 어떤 사건이 일어나는데 잠에서 깨어 돌이켜 보면 내가 다닌 동선과 건물의 구조가 대부분 어릴 적 온 가족이 함께 살던 아파트의 실내 공간이거나 통학 하던 길과 나무 바닥재의 교실과 복도, 강당, 운동장과 계단 등이다. 분명 내용은 매번 달라 다른 장소로 나타나는데 같은 구조의 공간이었다는 것을 나중에 알아차린다.

한편 현실에서 나의 ‘자리’란 나의 작업실이 있고, 창작할 수 있는 곳이다. 나에게 작업실은 유화 작업을 할 수 있는 ‘공간’인 동시에 나의 작업 전반에 영향을 끼치는 ‘장소’이기도 하다. 페인터로서 런던에서 작업하기에 적합하다고 느끼는 이유는 영국과 유럽의 오래된 유화 전통 만큼이나 현대 회화에 대한 존중과 관심이 작가와 관객 양쪽에서 모두 크기 때문이다.
런던에서 졸업 전시 이후로 나의 작품에 관심을 두는 동료 작가, 큐레이터와 컬렉터 등을 포함한 다양한 관객을 만날 수 있었다. 런던에는 각국의 미술 애호가와 창작자들이 모여있기에 떠나기가 어려운 것 같다. 지금은 런던 동부 해크니 윅에 있는 작업실로 출퇴근을 하고 있는데, 언젠가 한국에서도 작품활동을 하는 날이 오지 않을까 기대해본다.


















































Tool


What does TOOL mean to you?       What is your TOOL?


I am interested in the physical properties of painting. If it were merely a fascination in portraying images, I wouldn’t have chosen painting as my profession. When I paint, there are times when the image seems to be complete, but these works are not necessarily finished as paintings. That’s how important the physical properties are to my practice. Because of the absence of textures in photography, paintings appear very different in reality. Photos tend to change the appearance of paintings. Brushstrokes, textures, and colours are not clearly visible through the lens of a camera. Seeing paintings in the flesh is a unique experience that I always look forward to.


The colours produced by oil paints are exceptionally charming and it is exciting to know the nature of each individual colour. I find joy in feeling the creamy and buttery textures of the oil paint when placing a layer on the canvas or when mixing the colours on the palette. The versatile nature of oil paint allows for endless possibilities. You can paint a thin watery layer, flat on the canvas or coat it with a thick and sticky surface. The process of painting is like an adventure, at times fun and exciting but sometimes a little strenuous. Various emotions occur when I think about the decisions needed in each painting. When working with oil paints, there are times when I need to completely change my initial ideas, and these unexpected moments are what attracts me to oil painting.

I mainly work with oil paints but recently because of the lockdown, I had time to experiment with watercolours on paper. There is less burden when working on paper because if I make a mistake, it’s easy to throw it away. I also use watercolour on paper to quickly sketch up new ideas before transferring them into large oil paintings. But not all successful watercolour sketches are made into oil paintings as the two types of paints are not interchangeable because of their physical properties. Both watercolour and oil paint use the same pigment, but the characteristics of the paints vary depending on the binder (the substance added to hold the pigments together). Hence, the difference in the binders will change the appearance of the colours and depending on which surface it is placed on, the same colours will appear to look differently. Watercolour and oil paint hold completely different characteristics but the best works are created when these characteristics are used to their full potential.





도구란

나는 페인팅의 물성에 매료되어 있다. 단순히 그림 이미지만 좋아했다면 굳이 페인팅을 하려 하지 않았을 것이다. 그림을 그리다 보면 이미지는 완성이 된거 같은데 페인팅으로서는 완성이 되지 않을 때가 있다. 그만큼 페인팅에서 물성은 중요하다. 사진으로 봤을 때는 좋은 이미지라고 생각한 작품이었다가도 직접 가서 봤을 때 너무 형편없이 물감이 칠해져서 실망할 때도 있고, 반대로 사진으로는 눈에 쉽게 띄지 않다가도 직접 가서 보았을 때 그림의 질감, 색감과 붓 터치에서 엄청난 만족감을 느낄 때도 있다.

유화물감의 색상이 아름답기도 하고 개별 색마다의 성질을 알아가는 것이 즐겁기도 하다. 물감을 캔버스 표면에 바를 때, 팔레트 위에서 섞을 때 크림이나 버터 같은 유기적인 질감도 그림 그리는 재미 중 하나이다. 물감을 캔버스에 묽고 평평하게 바를 수도, 두껍고 쫀득하게도 올릴 수도 있어서 표현이 무궁무진 하므로 항상 새 그림을 어떻게 그릴지 고민하게 된다. 그림을 그리는 과정은 모험 같아서 신나기도 하고 괴롭기도 하다. 어떤 선택을 할지 고민을 많이 하며 굉장히 여러 감정을 느끼게 된다. 유화를 하다 보면 나의 처음 의도에서 대폭 수정을 해야 할 때도 있고 예측할 수 없는 부분들이 생기는데 그런 것들이 페인팅의 매력이 아닌가 생각한다.

나의 주된 작업은 유화라고 생각하지만, 최근에 럭다운을 경험하면서 집에서 수채화를 많이 다뤄볼 기회가 있었다. 종이에 작업하는 것은 그리다가 망치면 버리기도 쉽고 별로 부담이 없다. 새로 구상한 이미지를 실험해 볼 때 종이 위에 단시간 안에 작업을 진행할 수 있어서, 대형의 유화 작업을 진행할 때도 도움이 된다. 그렇다고 꼭 수채화로 성공적이었던 이미지가 유화로 번역되진 않는다. 사실 유화나 수채화나 사용하는 안료는 같은 것이지만 바인더에 따라 물감 특성도 달라지고 같은 색도 화면 위에 다르게 나타나며 또 어떤 표면 위에 그리느냐에 따라서도 천차만별이 된다. 성질은 매우 다른 물감들이지만 작업을 진행하면서 각 물감의 물리적 특성 때문에 생기는 효과들을 잘 살릴 때, 물감이 원하는 대로 따라가 주는 부분들이 있을 때 좋은 작품이 나온다.









































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What do you think about the most while making art?

I immerse myself in the world I am creating and I empathise with my subject matter, imagining what the creatures would be feeling and what kind of elements would fit in the painting.


작업중의 상념 

내가 만들어내고 있는 이미지 속 세상에 몰두하며 작업의 소재와 대상에 감정 이입한다. 작업에 등장하는 동물/인물이 무엇을 느끼고 있을지, 어떤 요소들이 잘 들어맞을지 상상한다.